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Beethoven Haus en Bonn

Con la colaboración de Cesar Rodriguez Rabanal

Dos años después del 250 aniversario de la muerte de Beethoven, visitamos su ciudad natal, Bonn. Que se ha volcado con apasionado brío hacia la figura de su hijo predilecto. Su figura es omnipresente en cada rincón de la urbe, ex capital de la República Federal de Alemania. Su refaccionada estatua preside la plaza de la catedral (Münsterplatz).

Beethoven Bonn Munsterplatz
Beethoven Bonn Munsterplatz

Beethoven y la Ilustración

Trascendiendo el insuperable alcance del genio musical, es válido detenerse  a revisar de manera sucinta el marco histórico-social que engloba a nuestro personaje. Durante la primera juventud de Beethoven la ciudad de Bonn estaba gobernada por un príncipe elector que inició el ensanchamiento del ámbito sociocultural, dando cabida a quienes hasta la sazón habían quedado excluidos. La ilustración alcanza, al menos parcialmente, a sectores de la monarquía gobernante, lo que se tradujo en una creciente inclusión, que hizo posible la detección y el despliegue del talento en todos los estratos sociales. Beethoven es una muestra emblemática de este hecho. 

Nuestro protagonista abraza con fervor la causa republicana, y como muchos otros grandes contemporáneos suyos, celebra alborozado la triunfante revolución francesa. Años después las tropas Napoleónicas habrían de ocupar la ciudad de Bonn. En la “Beethoven-Haus” se exhiben dos imponentes cuadros que iluminan esta  época: un suntuoso y colorido baile palaciego, y al costado, la instalación del “Árbol de la libertad” en la Plaza del Mercado. Es la transición, es el conflicto entre lo que no acaba de irse y lo nuevo que todavía no llega del todo. 

Das Beethoven-Haus Bonn. Bonngasse 20 

Escuchar, Observar y Asombrarse (Hören, Schauen und Staunen)

Nos perdemos en los recovecos de la casa museo, oyendo fragmentos de sonidos cautivadores de su música, sintiéndolo y transportándonos a su época, así por ejemplo a través de una de las sonatas para piano, ejecutada en un pianoforte de 1785. 

Se aprecia el cuarteto original de cuerdas, dos violines, una viola y un violonchelo -obsequio hecho al compositor en  el año 1800 por el príncipe Lichnowsky, el principal benefactor de sus inicios.  

Esta circunstancia nos evoca una faceta central de su trayectoria vienesa (ciudad en que radicó desde los 22 años hasta su muerte): su relación profundamente ambivalente con la aristocracia. Tras haber gozado del mecenazgo del príncipe, se produjo la ruptura del vínculo al negarse Beethoven a acceder a un pedido de aquél que contradecía sus convicciones. Es famosa la misiva que le dirige: 

“Usted es príncipe por azar, por nacimiento; en cuanto a mí, yo soy por mí mismo. Hay miles de príncipes y los habrá, pero Beethoven sólo hay uno”. 

A propósito del asombro (Staunen) hay una parte de la exposición permanente que nos pareció particularmente original. Se trata de imágenes que reflejan los diferentes estados de ánimo y rasgos de carácter de nuestro personaje. Vemos un Beethoven furioso, otro agudo, otro divertido y también ingenuo (wütend, scharfsinning, lustig und naiv). Todo un ser humano, que también era genial!, capaz de articular en su arte magnífico, desde la soledad de su sordera, una desenfadada propuesta cuyo mensaje final en su novena sinfonía fue la paz, la solidaridad y la libertad. 

Im Mohren

Colindando con la casa museo, se encuentra la “Casa del moro”, otrora tienda de ventas de “productos coloniales” y ahora sede de los archivos del compositor, así como de una Sala de Música de Cámara. Deliberadamente se mantiene en el frontis la efigie de un hombre negro con una pipa (Im Mohren), para llamar la atención a los que se interesan por la memoria del músico, que no debemos olvidar lo lacerante del racismo, de la discriminación, tan dolorosamente vigente, sobretodo en sociedades como las nuestras, que fueron coloniales y que lastimosamente aún no han dejado de serlo.  

Beethoven Haus Im Mohren
Beethoven Haus Im Mohren

Manon Lescaut Puccini

Asistí recientemente en Frankfurt a una representación de la opera “Manon Lescaut” de Giacomo Puccini. 

Vayan por delante algunos apuntes sobre el autor y su época.

Aquel nace en 1858  en Lucca y vive hasta 1924. Desciende de una familia de músicos y crece bajo austeras condiciones materiales, pero en una de las ciudades más hermosas de la Toscana. Puccini se erige en uno de los mayores representantes del verismo operístico italiano, que surge en el lapso de la Belle Epoque. En esencia fue una corriente literaria con manifiestos precedentes franceses, que se propuso el relato de situaciones protagonizadas por personajes de la vida real, a menudo de los sectores más desfavorecidos. El traslado de este “naturalismo” a la ópera fue llevado a la cúspide por nuestro compositor.

Digno heredero del gran Verdi -no sólo genio musical, sino también co-protagonista del risorgimento- Puccini se vuelve sinónimo de orquestación, que envuelve, que conecta con los sentimientos del espectador. Bajado ya el telón no podemos tararear melodías, como sí ocurre con las piezas de Verdi, pero en cambio nos sentimos transformados, como si fuéramos la música misma. 

Desconcertante Puesta en Escena

Manon Lescault se estrena en 1893, tras dos óperas prescindibles del autor. Es un éxito rotundo y marca el despegue económico de Puccini. A partir de aqui se inicia una vida de boato, que no le impide componer óperas que alcanzan enorme difusión, tales como La Boheme, Tosca y Madame Butterfly.

Como señalaré más abajo la ópera de Frankfurt quiso convocar al director catalán Alex Ollé que se caracteriza por el montaje de piezas clásicas transbordadas a escenarios contemporáneos. En efecto se logró una  desconcertante puesta en escena con vestuarios radicalmente diferentes a los del mundo de la ópera: atuendos informales, descuidados, algo así como una mezcla de la multiculturalidad de Frankfurt -esto es, turcos, africanos, asiáticos, algunos latinos y uno que otro germano- con burdeles con streptease y bares yuppies    

El argumento es escasamente original. Una joven (Manon, la soprano) es pretendida simultáneamente por dos hombres. Uno novato (Renato de Grieux, el tenor) se enamora a primera vista y se entrega ciegamente; juntos se trasladan a Paris y viven un tórrido romance. El otro, el veterano Geronte di Rivoir, rico e influyente se entera de su paradero y logra tentarla ofreciéndole una vida de opulencia con su contracara de incesante trivialidad. La pareja se reencuentra y Manon abandona a Geronte. Este jura venganza, la acusa de robo y sus policías la encierran en una celda (en la escenificación singularmente resaltada con trazos siniestros) y la deportan a América. Renato hechizado por su pasión la acompaña en la travesía que resulta ser la gota que desborda el recipiente. Manon desfallece irremediablemente. Como cabal heroína de Puccini maldice su belleza que le ha acarreado tantas desgracias y agoniza en los brazos de su amante prometiendo que aún muerta lo acompañará por siempre jamás.

Anotaciones tras la caída del telón 

Frankfurt, la ciudad más demográficamente diversa de Alemania, con más de la mitad de la población de origen no nativo y que cuenta con dos óperas de reputación internacional, logra montar representaciones que reflejan aspectos de su actual identidad. Tal como señalamos arriba, el convocado director catalán que transforma el escenario tradicional en un universo del presente, colocó en el escenario personajes trajeados como los que hoy pueblan la metrópoli. Estaban los muchos ciudadanos de a pie y de todo color, así como los del centro financiero afincados en la ciudad, pero quizá asimismo había algo de la historia no tan remota del país germano: las cárceles con sus inclementes celadores.

Abordar de una manera tan realista el pasado, haber dado un giro de 180 grados, de la sociedad nazi a la que le sobraban los que no se parecían a ella al universo multicultural de hoy, nos infunde la esperanza que la inmigración no sea el último peldaño hacia el ocaso, sino mas bien que las Manons y los Renatos del presente encuentren un mundo menos fiero que el de su origen.    

Manon Lescaut Giacomo Puccini
Manon Lescaut Giacomo Puccini

La Tapadera, Woody Allen

He tenido el placer de ver numerosas películas,-algunas notables- de Woody Allen, pero esta se me había escapado.

Me sobrecogió la penosa actualidad de la trama de un film de 1976, ambientado en los tenebrosos años cincuenta, los del macartismo nortemericano. El espíritu de los recientes fallos de la corte suprema estadounidense, la de  Trump, se parecen como dos gotas de aceite a las “audiencias” reproducidas en la pantalla. Hoy y ayer, la demonización del que osa pensar por su propia cuenta, la descalificación, que puede alcanzar la negación de la existencia de los etiquetados de subversivos o de comunistas.

Allen brilla como actor. Empieza como un “nadie”, cajero de un oscuro bar restaurante, que hace malabares para pagar sus deudas de apostador desafortunado hasta que aparece un desesperado ex compañero de colegio, entretanto brillante escritor de guiones de TV. Este ha sido colocado en la lista negra de los chacales macartistas y por tanto impedido de continuar produciendo sus celebrados textos. El personaje de Woody accede a prestar su nombre desconocido para entregar  a los productores de los programas los aclamados guiones de su amigo. Pronto se suman su “clientela”otros guionistas a su “clientela” que corren igual suerte. Surge un romance  con una comprometida chica de la televisora, a la que se le vuelven intolerables los maltratos de los perseguidores y renuncia a su posición. 

El inicialmente “pragmático”Allen muestra primeras señales de afectación, hasta que paulatinamente emerge un hombre  consciente de la repelente situación, que  sin proponérselo, se encuentra a sí mismo, a lo mejor de su sí mismo.

 Lo más genuino de él abre paso a una desenfadada soltura que descompone a los soplones a los que literalmente manda a tomar por el culo y que finalmente lo convierte en un paladín.   

Beethoven y Schubert en Berlin contra Putin ¡Grande Barenboim!

Pude asistir días atrás en la Opera de Berlin a un gran concierto de solidaridad con Ucrania, dirigido por Daniel Barenboim. Antes de dar paso a los acordes de la tercera sinfonía de Beethoven y de la octava de Schubert, el gran maestro pronunció un sentido discurso con connotaciones personales. El  argentino-israelí, ciudadano del mundo por excelencia, es también nieto de un ucraniano, que pudo escapar de los horrores del nazismo. Barenboim hablaba de Ucrania, de su sangre paterna, pero nadie mejor que él para encarnar el sentir de la humanidad. Sus palabras fueron pronunciadas en el ámbito cultural que al tiempo que alumbró a los dos compositores elegidos fue también la cuna de los que otrora compitieron con Stalin, el antecesor de Putin en la producción de atrocidade

Barenboim, casado con una brillante pianista rusa, imploró distinguir nítidamente entre la cultura y la barbarie. Pidió no confundir a los representantes del arte ruso con los responsables políticos de la tan tremebunda como desigual guerra. Beethoven y Schubert han de ser escuchados hoy y siempre; el arte se erige una vez más como lo más opuesto a la destructividad.   !Y qué arte!

     

El arte de dos genios, per sé innovadores, que se hace presente con creaciones que marcan cambios epocales. Ambos clásicos devienen románticos. Recordemos que el clasicismo se inspiró en la perfecta armonía griega, esto es, como se decía por ahí, música para agradar. Y en el siglo XIX, en la Alemania musical de los autores se despertó el anhelo de autonomía, de igualdad entre los hombres. Schubert con su octava sinfonía -la inconclusa- esbozó sus primeros acordes del romanticismo y ni qué decir de Beethoven, cuya tercera es considerada como el nacimiento de aquel.

¡Que oportuno el evento y que triunfo de la creatividad!

Schubert

Beethoven

Verdi y el Covid en Frankfurt

Los que deberían cantar no lo hicieron 

Días atrás asistí a una puesta en escena de Rigoletto de Verdi. Definitivamente resultó no ser una puesta más. Dieron cuenta de ello, tanto la cuidadosa presentación del evento- echando mano a artilugios impensables en los tiempos del compositor- como las singulares circunstancias que lo rodearon. En realidad se trató de la confrontación con aspectos medulares de la coyuntura que nos envuelve a todos.

Los  que deberían cantar no lo harían, pero sí actuarían. Sí, el omnipresente Covid había afectado a treinta miembros del elenco. Los espectadores que al ingreso pasamos por estrictos controles de descarte del famoso bicho, nos dimos con él en el escenario. Al público se nos solicitó indulgencia con los suplentes. ¡Y sí que lo hicieron bien! Tanto aquellos como los espectadores dimos lo mejor de nosotros. Sin quizá percatarnos en el momento, nos adentramos en el mundo de Verdi, al tiempo que sentimos profundamente como se reflejaba en el escenario lo mejor, lo más constructivo de nosotros mismos de cara a la adversidad; es lo que encarna el arte verdadero.  

La obra no sólo fue buena, sino buenísima, plena de voluntad de parte de los actores, de los cantantes, de los músicos y de la audiencia. Eran las ganas de participar, de no permitir que se nos arrebate la opción de afrontar, arropados por el hecho artístico los avatares de la vida. Dar al unísono con el escenario nuestro más potente do de pecho. 

https://oper-frankfurt.de/en/season-calendar/rigoletto_3/

Verdi Frankfurt con Covid

CELEBRANDO BICENTENARIO PERUANO

A través de seis podcast o programas de radio contando pormenores de la cultura indígena su fusión con la española y sus expresiones artísticas centrándonos en la música.

Una bonita forma de celebrar el bicentenario de independencia peruana

Peru nace como república independiente

Un 28 de julio de 1821, el proceso se dio en un periodo de doce años, de enfrentamientos y luchas, cabe mencionar el debilitamiento del Imperio Inca.

El Imperio Inca nació en el Siglo XI y comprendía territorios de casi todo América del Sur. Desde Panamá hasta Chile, Brasil y el norte de Venezuela. Desde el Océano Pacífico por el oeste hasta la vasta Amazonia por el este.

Los incas eran luchadores, aguerridos, fuertes, organizados razón por la cual no fue difícil conquistar a los integrantes de las culturas de alrededor. La organización de este imperio se dio en torno a la agricultura, con grandes avances para sembrar y cosechar.

De Conquistadores a Conquistados

En el año 1526 llegan los españoles al territorio del Peru o mejor dicho al imperio Inca, también llamado el Tahuantinsuyo; palabra quechua que hace alusión a las cuatro regiones que gobernaba dicho imperio.

El imperio inca atravesaba una de las crisis política y social mas dura de su historia. Pugna de poderes y debilitamiento del estado buen caldo de cultivo para la conquista.

UN 12 de abril de 1539 nace en Nueva Castilla asi llamada la ciudad del Cuzco. Capital del imperio Inca.

200 años de Independencia unidos por el arte, la cultura y la música 

Las guerras y pugnas politicas no ensombrecieron las manifestaciones artisticas y justamente es la fusion de estas culturas lo que genera esta colaboracion con la embajada peruana en España.

6 podcast programas desde XVI al XXI

Podcasts donde suena música andina, de la colonia, sin dejar de lado los acordes europeos de los siglo XVI, XVII, hasta llegar al siglo XX y destacar la musica indigenista.

Podcast sobre el nacimiento del himno nacional peruano. Podcast sobre la interesante figura del Inca-cronista-historiador Garcilaso de la Vega.

PODCAST MUSICA BARROCA PERUANA

El primer programa donde Altibajos conecta el mundo indigenista y el europeo gracias al aporte de un personaje clave en la union de estas dos culturas, Baltazar Martinez Compañón.

Martinez Compañon el Obispo viajero

Fue un sacerdote, obispo que se formo en las universidad de Zaragoza. Se doctoró en licenciatura y derecho religioso. Viajó a tierras peruanas donde ejerció como chantre o jefe de coros en lima.

Sintió gran curiosidad por estudiar las manifestaciones artísticas de los integrantes del Perú. Un obispo curioso y viajero que organizó expediciones con cronistas, artistas que plasmaron lo que vieron.

Fruto de estas expediciones tenemos las 1400 acuarelas que ilustran los diferentes aspectos de la naturaleza, las costumbres, así como los rasgos sociales y culturales del obispado de Trujillo. Incluyen manifestaciones musicales y coreográficas protagonizadas por los habitantes de la diócesis, bajo la forma de imágenes y partituras.

Jordi Savall rescatador de la música antigua

Este programa comienza con una pieza cantada en quechua que data del siglo XVI en la que se hace alusión a Maria la virgen y al mundo católico que traían los conquistadores relacionándola con la “pachamama” fuente de alimento para la cultura incaica y, también madre de todos nosotros. El título de la canción es Hanacpachay Cusicuinin que significa alegría del cielo.

Gracias al trabajo de investigación musical de Jordi Savall podemos oir los tambores, coros y transportarnos cinco siglos atrás.

jordisavalldisco

Aqui te dejo el enlace Spotify para que puedas oir el programa completo.

En esta primera entrega en colaboración con la embajada peruana en Madrid, Altibajos, destaca el profundo respeto del obispo Martinez Compañón por la cultura indígena.

Desafío Barroco

Lo mas fácil seria hablarles de Vivaldi, Bach o Handel, en cambio les presentaré a tres compositores de este estilo igualmente importantes como fueron: Corelli, Scarlatti y Albinoni

Este artículo tiene su paralelo audio en el podcast cuyo enlace pondré al final. Aquí me centrare en pormenores biográficos de los tres músicos.

Decir Corelli es decir Violin

No siempre los compositores del siglo XVII pasaron penurias para darse a conocer, ser respetados y vivir cómodamente de su arte. Por eso, cuando decimos Corelli inmediatamente lo asociamos con el Violin.

Nació en Fusignano Italia pero fue el ambiente de la ciudad de Bolonia  lo que permitió darle rienda suelta a su arte y talento. Se formó allí desde los 13 años y a los 17 ya era considerado el mejor violinista de Italia.

Altibajos Musica Clasica Desafio Barroco

Fama y dinero

Corelli, creo su propia academia de música de cámara. Fue el primer director de la celebre iglesia San Luis de los Franceses.

Quizá de los pocos compositores de la historia de la música clásica que triunfo con su arte y no necesito escribir mas obras porque  tenia lo suficiente. Cuentan,que publico tanto como Haydn y que conoció a Haendel dos años antes de su muerte.

Corelli murió de 60 años  en Roma y fue enterrado en el Panteón.

Alesandro y Domenico, “de tal palo tal astilla”

Scarlatti es el apellido de padre e hijo, respectivamente. Alessandro, pertenece a la época barroca, Domenico al clasicismo.

Les cuento del padre, vino al mundo 5 años antes que su contemporáneo Bach. A los 12 años ya destacaba en el canto y como todos los caminos musicales conducen a Roma; llegó de su Palermo natal y allí se formo hasta los 19 años que se hizo muy conocido por estrenar su primera opera.

Venia de una familia muy humilde pero desde niño mostró talento para la música y tuvo el apoyo de sus padres y parientes. Trabajo para la reina Cristina de Suecia, porque la monarca vivía en Roma. El cardenal Pamiphilj también lo solicitaba

Caballero y  Prolifico

El papa Clemente X lo distinguió con la orden de Caballero, reconociendo su arte . Muchos opinan que fue un adelantado a su época en la forma de componer con ese despliegue orquestal.

Legado

65 años tenia Alesandro cuando partio de este mundo la misma edad que su contemporaneo, tambien barroco Johan Sebastian Bach.

Su legado consta de: 100 operas, 220 misas, 65 cantatas, 9 oratorios, 7 serenatas.

Sin duda toda una inspiración para su hijo Domenico quien brillo en España con sus 555 sonatas para clavecín.

Albinoni veneciano

La bella Venecia de este siglo vio nacer algunos compositores barrocos entre ellos Tomaso Albinoni. Tuvo libertad económica ya que nació en cuna de oro. Gran talento; cero necesidad. Es decir, componía por placer no para comer.

Renuncia a su herencia

Cuando Tomasso tenia 28 años murió su padre y como era costumbre en la época renunció a su herencia en favor de sus hermanas menores. Ya estaba casado con una famosa cantante. Se entrego a su pasión por la música.

Mucha obra perdida ?

Desafortunadamente buena parte de su obra se ha perdido. Ya que se conservaba en la biblioteca de la ciudad de Dresden- Alemania, que fue destruida con la II guerra mundial.

Sin embargo, se logro salvar su aporte en las 50 operas y 99 sonatas. Recomiendo sus conciertos para oboe y orquesta.

Longevo

Albinoni, debe ser de los pocos octogenarios barrocos. Vivio y compuso hasta los 80 años

Disfruta escuchando la música del Desafío Barroco

Del Clarinete al Saxo

Instrumentos de Viento

El Clarinete y el Saxo son dos instrumentos de viento. Mozart creó un concierto para el primero con un famoso Adagio en el siglo XVIII. Doscientos años mas tarde, Paul Desmond, saxofonista de la banda Dave Brubeck compone Take five, una pegajosa melodía a ritmo jazz que se hará muy popular desde mediados del siglo XX

Un Adagio de Película

Mozart escribe este concierto dos meses antes de partir en 1791. Entre su querida “flauta mágica” y el  “réquiem” que no alcanza a terminar. Un concierto que para muchos a pesar de ser compuesto  durante el siglo XVIII ya sabe a Romanticismo.  El adagio es parte de la banda sonora de la película, Out of Africa (Africa Mia). ¿Quien no recuerda ese paseo en avioneta con Robert Redford y Meryl Streep? mientras nos deleitamos con esa poesía africana hecho paisaje.

168 años después…

En 1959 Paul Desmond, saxofonista parte del grupo Dave Brubeck improvisa y experimenta con compases inusuales como 5/4 logrando esta rítmica canción “Take Five.” Un piano, un saxo y el bajo conforman la melodía. Jamas imaginaron que dicho experimento llegaría a ser numero uno a nivel mundial, todo un éxito comercial además de un referente melódico del jazz.

El clarinete y el Saxo, son dos instrumentos que se complementan. Las frases melodicas largas en una orquesta son llevadas por los instumentos de viento. Destaca la dulzura del clarinete. En cambio “…el Saxo estuvo mas implicado en bandas militares y fue acogido con los brazos abiertos por el incipiente jazz de principios del siglo XX…” este ultimo comentario lo traigo de una interesante web que nos cuenta mas cosas sobre el mundo de los instrumentos. Aqui el link: https://www.sanganxa.com/

Para cerrar con broche de oro les dejo el enlace a mi podcast sobre este tema. Donde comentamos y oimos musica clásica para clarinete: el citado Mozart, algo de Bizet( que no es la trillada Carmen) sino parte de su suite L´Arlesiana y finalmente parte de la obra de Musorgski donde escuchamos el inicio de una conversacion entre saxo y clarinete.

Disfruta escuchando la música del Clarinete al Saxo

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